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学动画做动画，只是用爱发电是不够的。如何自学成为职业动画人？在动画学习的圣殿加州艺术学院学动画有什么收获？四年磨一剑的动画毕业设计需要把握哪些核心？三位特邀嘉宾围绕以上关键问题分享了多条方法与经验。
10月14日、16日，我们邀请了广州美术学院的陈赞蔚教授、加州艺术学院角色动画专业的成凡之、好传动画奀程，畅聊了2.5小时，三位嘉宾热情分享了他们长久以来在动画学习和创作方面沉淀的经验。
通过自学走向职业动画人
分享嘉宾：奀程
本科学习平面设计，并自学动画。2013年毕业后就职于好传动画，担任分镜、原画工作。
从朴素的老动画里学分镜
分镜对于我来说，核心主要在于，在动画制作过程中进行风险的把控。分镜绘制的内容必须是在能力的范围内可以完成的。尽量避免团队完成不了的镜头，那样子只会得不偿失。动画分镜对我来说就是动画制作的能力范围内的加入镜头的表达。
对于分镜的学习，可以挑选一些比较朴素的老动画作品来参考学习其中的分层构图信息和场景的镜头运动等。比如，我会参考80、90年代的日本动画作品，那时候的动画作品没有现在的那么多后期因素的影响，画面怎么构成的一目了然。
分镜在练习时，尽量避免只绘制单独的镜头，单独的镜头相当于一个字、一个词，而连续的镜头相当于一句话，练习连续的镜头更有意义。
原画的核心的在于动作自然生动
人没有可以感受时间长短的器官。动作的时间长或者短，其实算是视觉上的感受。所以在绘制原画时，如果确定不了动作的节奏时，不要光凭想象，可以用声音演示一下要画的动作。譬如，一个人走着走着，跳一下。用声音转换就是“哒哒哒哒，咚……”然后根据声音确定原画的关键帧。当然掐秒表也是个方法，但是整体上我觉得没有声音直接。
我只看过《原画师生存手册》这本书，以及配套的视频。有人说这本书是讲美式动画，那么日式动画怎么学，但是我觉得这本书主要讲述的是动画原理，和动画风格没有很大关系。每个动作都有相对应的时间节奏标准。就走路这个动作来说，无论动画是美式风格还是日式风格，走路都有一定的规律/标准，超出或者没有达到这个标准，它（动作）看起来就不对了。
自学实践和创意实现
自学动画最主要的是要让自己静心学习动画，尽量在一个相对专注的环境下学习，避免来自四面八方的干扰。如果身边没有什么让你学习的氛围存在，尽量在网上抱团吧，动画群好多，自己主动去进入那个圈子，自然而然就会有学习的动力了。
我不建议一有想法就用动画的方式实现它。因为很多时候想法一来，不是一个点出现的，而是会同时蹦出好多个点，这样子的我建议采用简单的文字，或者耗时比较少，自己比较习惯的方式记录下来。然后进行筛选、排列、绘制，这样就不会把有意思的点遗忘掉，甚至还可以在有意思的点上加入更多有趣的内容。如果在画画的过程中没有全局的计划时，很容易在一个点上钻牛角尖。所以建议先记录，然后梳理，最后绘制。不用担心自己画画水平有限，主要是绘制思维上的积累。
奀程的日“程”摸鱼图
在加州艺术学院角色动画专业学习有哪些收获
分享嘉宾：成凡之
之前就读于工科专业，后跨考了普瑞特艺术学院数字艺术专业（Pratt Institute Digital Arts）的研究生，之后被加州艺术学院角色动画专业（CalArts Character Animation）录取，中途回国参与了罗小黑动画的创制作（负责原画、分镜）。目前回到了加艺，继续完成学业。
学校的理念
学校的目的是培养能够进入业界的人。课程上也还是培养一些比较基础的技能，比如角色设计、构图等。学校主要的功能还是告诉学生以后的就业环境是怎样的，怎么样在社会上生存下去。
很多美国学校可能有一点比较好的就是，它会给你引导但是他不太会强迫你怎么做，因为它可能默认的是既然你已经被录取，就说明你的东西会有自己特有的优势。周围的同学也都很厉害，这样的环境里也会被潜移默化，按照一定方向去思考，这可能会提高你的审美和对事物理解的通透性。
学校主要教你一种审美和思维方式，告诉你什么样一种审美观可能能引导大众的走向，引导社会去接受去发现些新的东西。剩下的很多东西还是让我们自己去琢磨。
学校会时刻提醒你如何用业界的想法去想这件事情。比如说你做的这个片子有很多镜头，是不是可以执行？怎么去执行？有没有更好的执行方式？比如画分镜，他会告诉你这个分镜，有些地方有可能你看的懂但是负责下一步制作环节的人会看不懂，老师会告诉你为什么有些地方会看不懂，在业界中分镜画不清楚有怎样的后果。然后老师会告诉你业界各个环节都是怎样配合的，然后教你如何修改能达到业界制作标准。
美学的思维也是在满足就业技能训练的基础之上进行培养的。而这边老师会顺着你的风格顺着你的方向去推动。只要是你风格比较扎实，每种风格他觉得未来都会有一定的价值。这方面学校会鼓励和培养、让学生发挥创造。不过如果未来你想进入比较特定的公司的话，很多时候你还是要顺应公司的风格对自己的东西做出一些调整。
动态写生训练，提升绘画技术和动画感觉
动画是一个实践性非常强的专业。首先你要去做。我们（学校）对专业要求可能是比较高吧，而我觉得更主要的是同学们都比较厉害，如果你画的不好，或者不努力去做，自己会觉得拿不出手。
所以很多时候来自同学的压力会大一些。在这种状态下你课后就需要自己去研究去琢磨去跟老师学，寻求老师同学的帮助，让自己在自己希望的方向上走得更远。首先自己要有一定方向，其次老师同学会影响你告诉你什么审美是好的。
个人感觉如果你想做片子的话一般都不太能一个人闭门造车。你也可以不跟人交流，做一些独立动画（自娱自乐或者实验性的）这都没关系。但只要你决定做面向观众的片子，你还是需要别人给你反馈。很多时候思想上的东西，比如分镜、设计之类的，你需要你的老师和你的朋友帮你提意见，你需要在观众的反馈和意见上修改。
真正需要多加练习的东西——现在对我来说是加强动态写生。
所谓动态写生是快速写生，捕捉移动物体瞬时的姿态，比如经常去户外画行人之类的，而不是摆好给你画的东西。这种写生一般需要有一定的人体基础，所以还是需要同学们把基本功练好。
动态写生能训练你把人物的动态画得更准，重心找得更稳，这样在做动画的时候动作才更有质感和真实感。虽然有些时候你想法很好，但主要还是需要你有足够的能力去表达出来。当然不只是写生这一块儿，各个分项目的技能（分镜、动画、设计）也要训练，你才可能把你的东西都表达出来。
我自己的习惯，一般是捕捉别人的动态，多观察生活。这样你对动作对动势会有一定的了解，然后再去做动画。动画做不好的时候，我们通常的解决方式和国内差不多吧，也是自己把想演的动作演出来。之后你去捕捉看看这个动作怎么做。
有些公司会有专门表演用的屋子，有很多镜子专门让你去表演去捕捉自己的动作。所以其实最根本的不只是你能不能把这个动画画好，而是你会不会演。动画师最重要的是要先会当一个演员。
至于怎么演好，这些只能靠你一点点的琢磨，慢慢去练。或参考之前老的视频，自己去演去参考一些你觉得演得很好的桥段，慢慢的把这个东西练出来。其实事情大概是这样吧，大部分的艺术学习过程都含有模仿。有时候这些事首先还是以模仿为主。
多画、多临摹，保持练习量，以及总结
关于参考和模仿，我自己的习惯，一般不会一帧帧的去看。参考一个动画，然后想象一下，再看看自己能不能做一个差不多感觉的出来。不过我们这边的人们如果真的想研究好动画，大部分的状态还是一帧一帧的去看（有时候实在做不出来了就会分析得非常细）。看它的关键帧是怎么分布的，如何去做中割，然后总结动画的规律。
如果很多东西做不出来的话那就一遍一遍的做，慢慢的去分析别人的动画，为什么能做出这样的效果。如果往细点说的话，比如先看一下对方怎么去安排第一帧，然后看中间的关键帧，中间的小原画是靠近第一帧还是第二帧原画？（研究他们的轨目）
除了参考别人的作品，还需要自己去挖掘。比如自己表演，比如把一个很顺滑很真实的动作中间适当的抽去一些帧，看看能不能去掉多余的东西，能否让它变得更好看。抽帧一般是日本动画会用的手段。欧美动画风格则是需要动作流畅真实，一般取决于你选择的动画风格。
多画、多临摹，保持练习量，还有很重要的要做总结，有些东西做的令人不满意，那你至少要看出来是哪个地方做的没有到位。
《落潮（Falling Tide）》 成凡之 2016
动画毕业创作核心以及流程建议
分享嘉宾：陈赞蔚
广州美术学院教授，硕士生导师。担任广东省动漫艺术家协会秘书长、广东省高校影视与动漫学术委员会秘书长等社会职务。99年广州美术学院新媒介、动画专业主要创办人与动画负责人，“广美动画”品牌主要创办人。迄今已指导14届本科毕业生，每届均有作品获国家动漫大赛重要奖项，部分监制作品荣获日本动画大赛重要奖项以及入围柏林短片节、昂西动画节。
一部好的动画毕业创作应该具备什么？
学生的动画毕业设计创作应该首先需要做到艺术与商业并重，两者的比例可以就创作个人或创作小组的创作特质来调整。其次在创作时不能忽略观众和社会责任感。动画毕业创作需要有以下分为优先级的五点内容：
1.艺术效果
即作品风格，与公司制作不一样的是，动画毕业创作可以不计成本，想方设法的实现效果。这些效果的实现，可能会为商业动画的制作带来一些启发。一部具有优秀艺术效果的作品可以从众多作品中跳脱出来，而作者会因此成为与众不同的那个，这是艺术效果的魅力所在。
2.逻辑
不管是叙事的故事片，还是追求效果的特效片，都必须有表达的逻辑。写诗歌有诗歌的逻辑，写论文有论文的逻辑，哪怕是达达派的诗都是有理有据的。
3.故事
包括叙事技巧及表达题材的思考。讲故事的方法有很多种，在动画毕业创作中完全可以尝试一些既有逻辑基础又有个人想法的叙事方法。不管是贴近现实的生活题材，还是架空世界的魔幻题材，都可以进行多样化的尝试。
4.品质
有些同学认为正在创作的动画只是作业，动作不流畅，镜头不通顺，观众可以谅解，抱有这种心态将会严重影响作品的整体制作。虽然学生作品达不到公司的制作要求，但是对于品质要有一定追求，至少在某一个层面上要尽最大的努力，尽力做到最好。
印象派的作品看起来模模糊糊的，但是当眯起眼睛欣赏时，会发现作品中的颜色非常漂亮，具有很强的层次感，当然不能把印象派的作品与写实派的油画进行细节质感刻画的对比，但很多印象派作品在色彩层面做到了极致。
5.内涵
很多同学作品中的内涵需要指导老师来提升，不是同学的能力不够，而是与指导老师相比，同学的阅历较少，就像看过很多书上写榴莲很好吃，但是在第一次尝试时你可能会毫不犹豫的吐出来，许多事情在亲身体验之后才会有感而发。
动画毕业创作通常会花费半年或者一年的时间，只是制作“动起来”的动画作品会很可惜。动画毕业创作可能是动画专业学生这辈子唯一一次可以完全自主创作作品的机会，所以，动画毕业作品所要表达的内涵一定要认真思考，至少通过毕业作品把代表这个年纪的价值观和内心要表达的东西精彩强烈地展现出来。
如何规划动画毕业创作流程
可以在大三时期，就开始采风，画速写，尝试经历更多事情，寻找想要表达的素材、效果、故事，为动画毕业创作做准备。不断的试问自己，如果花费一年时间，到底想要画些什么？
到大四，首先要做好整个毕业创作的时间规划，然后进行资料收集整理和技术测试。
写好剧本后再做前期设定，然后按部就班的进行分镜、动画创作，不一定是一个好方法。文字剧本需要强大的逻辑思维，而很多灵感仅仅依靠文字来表达是不明确的。例如，跳舞的脚本可以用一句话表达，但是动画师往往会创作出好几分钟的精彩动画。
所以，对于动画创作来说，草图和文字脚本应该是并行的。
故事剧本确定后，接下来进行分镜稿和气氛图的绘制。分镜草稿可以画的很小，以便修改。分镜稿往往需要大量的修改和调整，在两指高度的分镜格子上修改，有利于缓解同学修改的压力，调整心理状态。当然，最后的分镜定稿还是要认真画好。
分镜完成后必须做动态Layout，并进行至少一个完整镜头的测试。三维动画镜头测试是包括动作、渲染、合成。二维原动画可以在layout基础之上，把原动画用草图的方式绘制上去，甚至可以是没有眼睛和嘴巴的人形。每一个动态都流畅的绘制出来，这样在整个创作小组中可以快速发现问题，最终成片的动态和节奏会相对更理想。
做完前期部分后，要适时根据创作时间进行前期调整。假如有100个镜头，如果剩下100天制作，我建议减少镜头数量，一天制作一个镜头对于同学来说不是不可能，但是需要预留足够的时间进行后期调整。
理想状态下，在赶工期间最好有内部的试映，和班里同学观看未完成的短片。尽可能用分镜、线稿、layout等替代没有完成的部分，这样，在观看之后提出的中肯意见，可以进行及时的调整和修改。
动画创作的过中最忌讳的是抄袭以及过于明显的模仿，绝对避免照搬角色或者镜头。在动画大赛中，一旦评委提出质疑，那么这部作品就没有机会获得很好的荣誉。
动画创作最重要的是执行能力，有同学会说“计划赶不上变化”，其实这种情况出现不是说明前期的计划不合理，就是执行能力弱。一定要及时作出调整并且逼自己按照时间计划完成。最后避免半途而废，在过程中遇到的技术、表达的难题，一定要坚持并且克服其中的困难，时刻提醒自己，只有这一段时间是可以做自己想要做的，那就拼命去做吧。
对动画专业学生的5条建议
我有一个很强烈的建议，就是一专多能。你可能有一样特别厉害，同时其他的你也都懂。这样对于就业来说是非常有帮助的。另外多点游历，增加阅历。经历的多了，自然知道很多事情怎么去创作。
每天涂鸦，这点非常重要。因为手绘的东西不仅仅是二维动画需要的，你如果经常画东西的话，在做三维动画的时候对形态，比例的把握会有很好的感觉，那个感觉说不出来的，但是它会直接影响你做镜头，建模，动态的一些感觉。
然后就是积极参加比赛。因为参加比赛你很容易跳出来，而且你能获取很多机会，你有一些重要大赛获奖证书的话在就业的时候也会有帮助。
然后是学习软件的操作思路。软件是必须要学的，学的时候并不是说这个菜单在哪，做这个效果怎么做。软件一直在更新换代的，所以学习软件的时候必须学习他们的思路，以及操作的一些学习能力。菜单其实不一定要去记的，可以先记快捷键，非常方便的。如同开车一样，我们只是在学习使用目前的工具更快地到达目的。
想更好的融入行业有一个最根本的——与人交往的能力。首先得懂得感恩，哪怕是对你不好的人，他们不过给你机会历炼，这样想会给你带来很大的正能量。还有要去学习如何与不同的人交往，这点其实对于动画宅男宅女来说有点痛苦，但是没有办法，因为我们活在社会中，动画行业又是一个团队作战的行业，因此必须要去做，否则我们没有办法很好的融入到行业里面。即便是艺术家，我感觉也需要这种能力，只是可能多与少的问题吧。
