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作为国内二维动画领域的资深导演，王昕带来了他二十年从业历程的经验分享。分镜怎么画？演出是什么？首先要明白的是：你想表达什么。
9月5日，由三文娱·动画酱举办的【动画酱Live】第一期开播，我们邀请到了《一人之下》《狐妖小红娘》的动画导演王昕就动画分镜和演出主题做了分享，本文为王昕导演分享内容的精华整理。
本期分享嘉宾王昕，绘梦动画创立成员之一，绘梦首席动画导演，主要作品有《狐妖小红娘》《灵域》《一人之下》《万古仙穹》《端脑》《我为歌狂》《咕噜先生》《死灵编码》等。
一部动画的风格受很多因素影响，分镜绝对是占据主要影响的那一个。分镜的设计体现作者对动画的理解，是一部动画能够顺利实施的重要依据。那么分镜怎么画？如何把握好分镜？王昕从演出、镜头注释、节奏三个方面做了展开。
关于演出：画分镜时演出比镜头重要
关于分镜的运用，大家都感觉分镜是镜头语言的一个表达方式，切记这是错的。分镜需要做什么？是表达。表达在哪里？就是演出。
大家一定要注意，分镜是一个演出脚本，而不是镜头运用。如果仅仅是一个摄影机的走位关系图的话那没必要有分镜。完全可以在一张纸上描写镜与镜之间的走位关系，然后就能操作，但实际上不是这样的。
从前一个老师教我一个非常有用的东西——演出放在第一位。什么叫演出？我们简单举个例子，一个人进门拿起一个杯子，打开门，走进门，拿起一个杯子，你怎么去接这三个镜头都不会错，因为他就一个人在一个房间里，怎么切都不会错。
那么好坏在哪里呢？在于这个人是谁，他是什么情绪，他应该怎么开门，他应该用什么方法去拿这个杯子，他怎么拿起来，是快？是慢？是犹豫？是停顿？这些都要在分镜上有所反应。如果这些东西都没有反映出来，仅仅取了三个镜头的话，那你这三个镜头一定是不好的。
此情境，比如取一个俯视的摄影机角度。人物开门，那么大家能感受到这个人进来的时候是受压抑的，紧接着这个镜头他去拿起杯子。这是演出环境，不是镜位关系。所以大家在画分镜之前一定要考虑的是演出。
王昕早期参与的作品
大家不要去分辨分镜在漫画和动画上有什么区别，怎样才能做好。第一位的是，你是一个信息传递者，你不是接受方：你想表达什么样的情绪。你用什么镜头，都不会有错，只是表达方式是不是对，是不是准确的问题。
你通过什么来表达？通过演出、动作、颜色、光、影子都可以表达，不光是镜头。所以大家在考虑镜位和分镜关系的时候，第一要考虑的是你想表达的东西是什么。
就像新海诚的片子，他靠什么东西来表达呢？看他的片子，你第一眼看到的是光，他所有的镜头都是靠光来切的，而不是靠镜头来切的。除了这次的《你的名字。》，这一部作品是真真正正在做镜头的运动，但其实他从前所有的作品都是靠光来引导观众所有的思绪。
关于镜头注释：画分镜时写比画更重要
接下来我们来看《一人之下》第一季第二集的一段分镜。我在画分镜的时候有一个很重要的习惯，就是我想表达的所有东西，包括动作和情绪，我希望在分镜上尽可能都能表达出来，这就是我之前说的演出的概念。
《一人之下》第一季第二集部分分镜
这一段的打斗我基本是在漫画的基础上做了一番创作，那时候我想做的，一是立住张楚岚和冯宝宝两个人的性格，二是在打斗上能做得不一样，张楚岚以慢和重为主，宝宝以轻和快为主。
宝宝往前冲的时候，大家能看到她所有的状态都是弓着腰的，往前走。看过《一人之下》的人都应该知道，宝宝的性格就是这样，她是一个没事就瞪大了眼睛，弓着背往前冲出去的人，她的刀就是锐利和速度两个方面。
《一人之下》第一季第二集部分分镜
另外，这一段所有镜头的切换全部是因为动作而切换的，基本上所有的动作都是在连贯性的过程当中切镜，也就是前一个镜头动作还没有完，下一个镜头已经开始。
还有一点，大家注意看我的分镜图，这上面最关键的不是我画了什么，而是我写了什么。在分镜上除了绘制过程以外，一定要学会写，这是我在日本那边得到的很重要的经验。
动画不是一个人的产物，它是一个团队的操作，有无数的人在做。一般一个摄制组做一部作品的配置，少的要达到120个人，多的可能到200、300个人。那么你画好一个分镜，你要想好怎么让下面这100多个人在流程里理解你的分镜，包括摄影、动作、演出，甚至包括上色。
让所有的人都能理解你的分镜，然后才能把它做出来。这个要靠写，不是靠你怎么画，因为你不可能去跟他们讲解，而每个人看你的画实际上会像看漫画一样，会有不同的理解，那就不能保证你的想法能得到很好的贯彻了。
《一人之下》第一季第二集部分分镜
写的内容要注意两部分，第一部分是镜头注释。镜头注释这块是非常重要的，因为要通过镜头注释来告诉下面一个环节的人你想表达的是什么，要尽可能地在分镜注释上写得更加详细。
另外一部分是看分镜图右边的对白。通过配音演员也好，通过分镜也好，动画是声画两路的总和。所以我做分镜的时候不是写这个镜头讲了什么话，而是细化到每一格讲了什么话，包括语速，包括是慢动作还是快动作，这些对白表达方式是非常关键的。
说到这一点，大家还应该去琢磨配音，一定要学会自己配。你配得再烂不要紧，在配音（包括贴音乐、音效）的时候一定会发现自己分镜的漏洞，在剪辑的时候马上就能知道节奏是快是慢。如果能够拿着麦克风自己去配一遍分镜里所有对白的话，一定能把这个片子的节奏控制得更好。
王昕近两年参与的作品
关于节奏：把控节奏时牢记五秒定律
如果连续五秒让人看一样东西的话，他到第五秒的时候一定会疲劳。与之相似，如果你用同样节奏的东西超过五秒，观众也一定会疲劳，会看不下去，这叫做五秒定律。
这点并不是我自己编出来的，在日本很多教程上是有的，特别是金田流原画。金田流对五秒节奏的控制是非常强的，特别是《双斩少女》，这部作品应该是把金田流的很多点都发挥到极致了。你能看到作品体现出来的爆炸力和冲击感，非常燃。这种爆炸力和爆发感用的不是很多的帧数，而是非常善于运用停格，非常善于运用五秒定律。
这是创作规律的一个例子，但每一个人的创造力和每一个人的表达方法，应该是百花齐放的状态，每个人都要用自己的想法去塑造，不用顾虑太多。如果你感觉现在碰到一个问题，比如四人对话怎么切进，那可以找教材，很多书都解释了怎么进行四人、五人、三人讲话的具体创作方法，但这只是方法而已，绝对不能把自己套牢。
要记住八个字，就是“文有大法，文无定法”，所有理论依据的运用都在于你想表达什么东西。模仿技法，每个人都能学会，但问题在于为什么你模仿得不像？就是因为你不清楚你想表达的是什么。
所以我希望大家能够接受的是，演出非常重要：一定要理解你现在手上画的这个人他在干吗，他想干吗。
《一人之下》第一季第二集部分分镜
Live分享的最后，王昕导演回答了几个观众的提问。
Q：想要进动画行业，如何走出第一步？
王昕：学动画如果从技术上来说，可以从加中间动画开始学起；非技术方面可以从制作进行开始，《白箱》里说的很对，制作进行到最后有两条路，第一条路是做制片人，第二条路做演出。这两条路不太一样，但有一个交汇点就是在演出上面。这两点对入行来说应该都是非常好的选择。
Q：小说和漫画改编动画有哪些不同？
王昕：小说、漫画、动画很明显给我们的体验是不一样的，分三个层次：第一是文字，第二是画面，第三是影视。当你看到影视的时候，其实已经没有想象空间了，它实实在在地把每个人的声音、容貌、走位都告诉你了。而看漫画时，读者自己是有解读的，画面是有留白的，每一页漫画之间省略了很多过渡性的东西，那些东西是靠脑补的。小说就更是如此，它没有任何具体的参照。
那么这就决定了，漫画的动画化是一个“形”层面上的改编，但是小说的动画化应该是一个“质”层面上的改编。小说里一句很简单的形容，比如“山很高很高”，在动画中要花三到三十倍的张力，才能给观众的感官和情绪上造成相似程度的效果。
Q：在制作过程中如何形成自己的风格？以及在大量练习中，如何突破固有思路，避免模板化？
王昕：画画的时候，最早我习惯乱画，用自己的想法去涂，在画不出来什么东西的时候，再反过来学技法，如果刚开始就学技法的话，会限制自己很多的思维逻辑。刚开始的时候要让自己的思维更加有发散性，就是自己想画什么画什么，想干嘛就干嘛
不要急于和刻意给自己定个风格，风格不是自己定的，而是你慢慢积累出来的。当你固守自己的风格时，可能就意味着你已经无法进步了。
作画也好，导演也好，作为一个艺术创作者不要总是想着我今天画什么，去走走吧，看万卷书行万里路。这世界上能打动你的事情有太多，一定不光是你画的这些东西。当你看到过、忍受过、经历过，得到的东西会存在你的脑海里，这些才是你将来的财富。
要突破自己，走得更远，其实不在于画了多少，画画是进一退九的，在画画的十天里有9天在退步，只有最后那一下你也许才会有质变。怎么突破自己固有的东西呢？那就要接触一些不擅长的东西、不喜欢的东西。
Q：中国动画的出路难道只有“中国风”吗？
王昕：这个问题是没有答案的，可能我们这一代人都没有答案。
手冢治虫来到中国，看到万氏三兄弟学迪士尼制作了《铁扇公主》后，就跑回日本开始尝试做动画，之后的40年时间，他做了两件事，第一是培养自己的动画帝国，第二就是带领整个日本行业向美国学习了整整40年。在这个过程中，一点一点积累出了所谓日本动画的风格。
我不能想象我们用短短的5年或者10年时间就能奠定一个叫做中国风格的东西，现在我们能做的就是站在巨人的肩膀上学习。我们还年轻呢，中国动画界在经历那么久的一个断层之后才刚刚起步，我们甚至还是个婴儿，在走路都不会的时候还是不要想我们之后会长成一个什么样的人吧。
我们现在要做的就是学习，努力地吸氧，在学习的过程中排斥掉不适合中国风格的东西，把适合的东西留下来，在经历很长一段时间后我们会自己形成一样东西叫做中国风格。中国动画一定会有形成自己风格的那一天，但不是现在，现在我们要做的就是像海绵一样，挤呗，吸呗。
